A la Galerie Xavier Eeckhout, Marie-Anne Derville présente M.A.D, sa première collection de mobilier, créée en collaboration avec la Galleria Giustini/Stagetti. Décoratrice, directrice artistique, curatrice, scénographe et maintenant designer,  Marie-Anne Derville appartient à cette génération qui a l’audace de mélanger les genres, les passions, les rencontres, pour créer un monde riche et pluriel. Pour cette première collection, elle signe un ensemble de pièces aux lignes pures, minimales où la laque noire rencontre l’étain, une collection empreinte de références à l’Art Déco et à l’esthétique radicale de la fin des années 80 et surtout des années 90.

« J’ai étudié l’idée de neutralité et de discrétion, mélangée avec rupture et sensualité. Je voulais créer un mobilier sexy, mais tenu »

Cette première collection est comme une extension de la créatrice, de son style proche de l’uniforme et de son goût personnel fait de contrastes entre raffinement et neutralité, sensualité et ascése, faste et clean. Un style androgyne, un pont entre l’élégance intemporelle française, le raffinement italien, et une exigence new yorkaise teintée de radicalité .

“Le mouvement de la “Swedish Grace”, beauté nordique absolue des années 20, et toutes les images des années 90, celles de mon enfance, sont mes deux sources principales d’inspiration”.

Marie-Anne Derville réalise également la scénographie de l’exposition en présentant aux côtés de ses créations une sélection d’objets historiques du design italien : des verreries, des céramiques ou de l’argenterie de Carlo Scarpa, Guido Gambone et Luigi Genazzi, représentés par la Galerie Giustini / Staggetti. Elle illustre ainsi la cohabitation de différentes époques, révélant l’importance du patrimoine historique des deux pays et cet échange continu à travers le temps et les styles, mais aussi son savoir faire, son talent créatif et sa sensibilité curatoriale,

M.A.D

du 17 au 20 janvier 2024

Galerie Xavier Eeckhout 

8 bis rue Jacques Callot 75006 Paris

Invention et virtuosité à Venise

Cette exposition exceptionnelle rassemble dessins et eaux-fortes de Giambattista Tiepolo et de ses deux fils, Giandomenico et Lorenzo Tiepolo, famille d’artistes virtuoses au XVIIIe siècle à Venise.

Les Beaux-Arts de Paris possèdent un ensemble remarquable de dix feuilles de Giambattista Tiepolo (1696-1770), ce qui en fait la deuxième collection publique de dessins de l’artiste en France. Cette collection est surtout la seule dans l’hexagone à comprendre des dessins non seulement de Giambattista, mais aussi de ses deux fils peintres, Giandomenico (1727-1804) et Lorenzo (1736-1776), ainsi que d’un autre artiste assistant de Tiepolo dans les années 1730, Giovanni Raggi. À elle seule, elle permet donc d’offrir une vue des pratiques graphiques au sein de la famille et de l’atelier.

L’étude de ces feuilles et estampes, associées à des œuvres d’autres artistes, sources d’inspiration, comme Rembrandt, maître comme Piazzetta, ou contemporains (Canaletto, Guardi, Novelli), met en avant la grande modernité de leur art. Celle-ci se déploie particulièrement dans leur capacité à réaliser des variantes d’un même thème, aussi bien à travers les traditionnels sujets religieux et mythologiques que dans les études de figures, en particulier les caricatures, mais aussi dans les scènes de la vie vénitienne. L’exposition interroge également les rapports entre le père et ses fils, et le travail au sein d’une famille d’artistes.

Le parcours commence par un ensemble d’études de têtes et de visages qui posent la question de la formation au sein de l’atelier Tiepolo. Il se poursuit par l’évocation des peintures religieuses et grands décors profanes réalisés par les Tiepolo et leurs contemporains à Venise, puis présente des oeuvres graphiques autonomes, conçues hors de tout projet peint, comme de purs exercices ou délassements graphiques, sur des thèmes iconographiques répétés de manière quasi obsessionnelle, dans de multiples variantes.

C’est l’exceptionnelle capacité d’invention de Giambattista et Giandomenico Tiepolo, une des facettes les plus fascinantes de leurs personnalités artistiques, que ces dessins et estampes permettent de redécouvrir.

du 22 mars 2024 au 30 juin 2024

Beaux-Arts

Cabinet des dessins et arts graphiques

14 rue Bonaparte 75006 Paris

du mercredi au dimanche 13h-19h

Première exposition rétrospective de l’artiste américain Robert Courtright (1926-2012) à Paris. Après avoir montré ses oeuvres à de nombreuses reprises à l’occasion de group-show et de salons pendant plus de trente ans, KREO dévoile un ensemble d’oeuvres inédites regroupant collages et masques, datant des années 1960 à sa disparition en 2012.

Né en 1926 en Caroline du Sud, Robert Courtright est un autodidacte. Proche des démarches artistiques de l’Arte Povera, il développe pendant plus de cinq décennies un corpus singulier, apparaissant aujourd’hui d’une grande contemporanéité esthétique. Son oeuvre se déploie sur plus de cinq décennies, entre ses ateliers de New York et Opio.

L’apparente simplicité de ses oeuvres dévoile en réalité un incomparable monde, à la fois sophistiqué, astucieux, réduit à l’essentiel : des grilles composées de rectangles de papier collés bien ordonnés. Ces trames, ces constructions, sont le cadre d’expression d’une palette de couleur allant du rouge sang au jaune soleil. Vibrantes saturés ou pâles, les couleurs viennent jouer sur les surfaces irrégulières des papiers collés, minutieusement découpés et réarrangés.

Cet attachement de Courtright à la géométrie se nourrit d’une attention particulière portée à l’architecture. Depuis un voyage fondateur à Rome en 1952, les surfaces, les façades, planes mais aux infinies variations et aspérités glanées sur les édifices italiens et du sud de la France occupent son esprit. Les premier collages, figurants des structures architecturées, témoignent de cet attrait fondamental.

Très vite, les motifs figuratifs s’estompent puis disparaissent, laissant la place à des découpages orthogonaux simples. De nouveaux matériaux interviennent dans ses constructions avec l’introduction de carton ondulé, bandes de gaze ou plâtre. Sa rencontre avec le sculpteur italien Bruno Romeda, décisive, donnera naissance à une complicité artistique intense. C’est à son contact qu’il s’initiera au travail du métal.

Tout un système de masques se développe alors. En bronze et en papier machés essentiellement, ces derniers sont directement inspirés par la Bocca de la Verità (XVIIe) de Lucas van Leyden à Rome. De forme circulaires pour la plupart, Courtright joue autour d’un même thème, à l’instar de son travail de collage, multipliant les variations de textures, et de couleurs.

Avec le langage de l’abstraction la plus épurée, exceptionnelle par sa rigueur et son attachement à un projet clairement défini, chaque oeuvre de Robert Courtright ouvre – selon l’expression de Philip Jodidio – ” un paysage mental formé par les siècles et aujourd’hui peut être retrouvé “.

du 1er février au 9 mars 2024

GALERIE DUTKO

17 quai Voltaire 75007 Paris